Como imagen de su primera individual, realizada en 1989 y titulada Pintura, Alejandra Icaza (Bilbao, 1966) escoge la fotografía, en blanco y negro, de una niña dibujando con tiza sobre el asfalto de una calle. Casi 40 años después, titula Circus su exposición en el MARCO. Dos elecciones que definen una trayectoria muy personal. La primera imagen alude a su manera de entender la pintura como una actitud ligada a la vida, que integra con naturalidad la línea, el dibujo, y es capaz de aunar memoria y juego. Al ascetismo de la imagen le acompaña una obra minuciosa y colorista, con pequeños collages en los que entrelaza color, palabras y fragmentos, en una clara invitación a que el espectador entre en un mundo íntimo, lleno de referencias que se intuyen personales pero que animan al diálogo, a la complicidad, al juego. La idea del circo, como disfrute y reto, dinamismo y rigor, es una buena síntesis del recorrido por una obra que se mantiene fiel a unas claves pero que muestra distintos momentos de intensidad.

Decía el dadaísta Hugo Ball que la obra de los artistas se entiende por la elección de la escala en la que trabajan, poniendo como ejemplos antagónicos a Paul Klee y Kandinsky: el gusto por lo pequeño y la necesidad de ampliar el espacio. Alejandra Icaza arranca en una escala muy cercana a Klee, sabiendo potenciar matices y evocaciones, pero con el tiempo no duda en ampliar el formato, manteniendo su gusto por disponer fondos de color, con una paleta muy personal, conseguida mezclando óleo y ceras, dibujando sobre la pintura con incisiones, como quien prepara un grabado. Se atreve también con formatos difíciles, que le obligan a trabajar la superficie como si se tratara de un campo, que lo es, prescindiendo de conceptos como la perspectiva, inundando el cuadro con símbolos fácilmente reconocibles, en una especie de jeroglífico emocional, que nos remite a la memoria de la infancia, pero también al proceder de pintores flamencos o a la miniatura oriental.

A Alejandra Icaza le gusta tentar los límites, romper con lo previsible. A veces, sale del soporte del cuadro y ocupa el espacio con objetos, o sorprende tratando de igual modo su lugar de trabajo y su casa. Existe una voluntaria confusión entre ambos, que nos lleva a sentir los cuadros como espacios oníricos, aunque nos identifiquemos con el aire de cercanía que transmiten los símbolos, la recurrencia al color o lo aparentemente sencillo de composiciones que son muy minuciosas, muy trabajadas a modo de fragmentos puestos en diálogo.

“La primera pregunta que se nos plantea al hablar de pintura –señala la artista– es si es realista o abstracta, como si desde ahí pudiéramos etiquetar en dos grandes vertientes, y desde el condicionante, la clasificación. Para mí, no hay fronteras. ¿Qué es un cuadro abstracto sino un paisaje exterior o interior a través de una mirada? ¿Qué es un cuadro figurativo? La realidad de ese momento del día. Pero esa realidad está filtrada, está entendida por un ser humano, con un cielo que percibe cobalto o rosado. También en la pintura realista influyen las emociones, los conceptos, el entretejer del autor. Si la pincelada es rota o lisa o marcada en potencia. El pulso del pintor es como el ritmo del cuadro, es como una sinfonía, el tictac, más templado o más rápido.” La idea está clara: “Una vez, un profesor de la Universidad, dando una de esas críticas tan temidas, al final del trimestre, me preguntó: ¿Y qué pretendió Vd. con ese cuadro? Pues simplemente eso, pintar un cuadro.”

Miguel Fernández-Cid, comisario de la exposición